Dans le dur monde de l'édition où la plupart des auteurs peuvent tout juste espérer que les ventes de leur livre rembourseront leur avance, nombreux sont ceux qui la nuit rêvent de cette manne qu'est l'option. L'option, celle qu'un producteur hollywoodiens pose sur un livre, c'est la garantie d'un gros chèque, que le film se fasse ou pas (la plupart du temps, c'est "pas"). Mais comment faire pour attirer l'attention d'Hollywood ?

James Robert Smith, auteur de The Flock, n'avait à priori pas grand chose pour lui dans la grande course à l'option. Son livre parle d'oiseaux préhistoriques supérieurement intelligents qui vivent cachés en Floride depuis des millions d'années, jusqu'au jour où un promoteur décide de construire un parc d'attraction sur leur habitat. On imagine mal un producteur s'emballer à l'idée d'un film dont les personnages principaux seraient des oiseaux, et pourtant Don Murphy d'Angry Films, producteur du récent blockbuster Transformers, a "optionné" The Flock. Tout ça à cause d'une dispute sur internet.

Murphy est en effet connu pour son caractère irrascible : il garde une alerte google active sur son nom et sur celui de ses films et dès qu'on en dit du mal sur le net, il surgit dans les commentaires pour incendier celui qui a osé s'en prendre à une de ses productions. James Robert Smith, en bon troll, avait donné son avis sur l'adaptation cinématographique de From Hell produite par Murphy, dans les commentaires du blog d'Eddie Campbell (dessinateur de la BD From Hell). Après une dispute houleuse dans les commentaires dudit blog, Murphy décide d'enquêter sur son détracteur, découvre qu'il a écrit un livre et décide de l'acheter pour le lire et se moquer de ce qu'il imagine déjà être un très mauvais livre.

Sauf qu'il le trouve finalement très bon. Résultat, aujourd'hui le scénariste Travis Milloy planche sur une adaptation pour Angry Films. Et moi je tiens juste à conclure en disant que Transformers est très mauvais et que j'ai un synopsis ultra prometteur dans mes cartons.

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Sept citations pour ne pas craquer dans le métro

Après les zombies, Jane Austen chez les monstres marins

La chronique de Transformers

L'actu des adaptations sur le blog ciné

J.G. Ballard nous a quitté en avril de cette année mais il reste bien vivant dans nos coeurs et se rappellera même bientôt à nos bons souvenirs en passant faire un tour sur les écrans à l'occasion des adaptations du roman High Rise (I.G.H., ou "Immeuble à Grande Hauteur" en VF), ainsi que de la novela glaçante Running Wild - Le Massacre de Pangbourne en VF.

A propos d'acteur justement, un bruit court sur le net depuis le mois de mai dernier : Christian Bale (American Psycho, Terminator Renaissance) qui faisait déjà parti du casting de L'Empire du soleil, annonce qu'il souhaiterait adapter un autre livre de Ballard, décidément coté ces derniers temps. Il s'agirait cette fois de Concrete Island (L'Ile de béton, en VF), dont l'acteur américain partagerait les droits avec le réalisateur Brad Anderson (The Machinist). Le tournage est loin d'être concrétisé pour l'instant, tout cela n'étant encore qu'un projet. A suivre donc...

Après Crash, adapté de manière glacé (et toujours controversée) par David Cronenberg, et L'Empire du soleil de Steven Spielberg, ce sont donc là les troisième et quatrième adaptations du romancier au cinéma. Et comme Philip K Dick avec Les Androïdes rêvent-ils de moutons électriques, le romancier ne sera pas là pour les voir (et c'est peut-être une bonne chose finalement...)

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J. G. Ballard, visionnaire ultime

Lord of Light, le roman qui ne reste qu'un roman

L'actu des adaptations au cinéma

Les livres de l'Américain Dave Eggers sont très attendus. Et pas seulement, comme on peut le voir avec The Wild Things - le prochain à paraître - pour leur contenu.

"Lord Of Light" c'était, à la base, un excellent roman de science fiction bouddhiste de Roger Zelazny. Aujourd'hui, ça n'est toujours que ça mais ce n'est pas faute d'avoir essayé de l'adapter en film.

A la fin des années 1970 l'écrivain et inventeur Barry Geller arrive à Hollywood bien décidé à réaliser une adaptation cinématographique du roman de Zelazny. Pour ce faire, il embauche le roi des comics, Jack Kirby, qui dessine pour lui des décors complétement fous. Plutôt que de dire "c'est trop, on arrivera jamais à construire ça" comme n'importe quel homme sensé l'aurait fait, Geller s'enthousiasme et suggère à Kirby d'utiliser ses dessins comme la base d'un parc d'attraction dans le Colorado qu'il appellerait Science Fiction Land et qui serait bâti sous un dôme géodésique de plus de 700 mètres de haut. Geller avait tout de même réussi à réunir quelques millions de dollars pour financer tout ça quand son assistant a été arrêté pour avoir détourné ces fonds.

L'histoire de Geller s'arrête là, mais pas celle du film puisque le script et les dessins de Kirby seront utilisés plus tards par des agents de la CIA qui délivreront des otages après s'être fait passé pour des producteurs hollywoodiens venus à la recherche d'un lieu où tourner ce film au budget colossal.

La réalisatrice Dian Bernard a l'an dernier entrepris de tourner un documentaire plutôt prometteur sur toute cette histoire, et elle en a même montré un peu sur un blog consacré au projet en septembre dernier mais aujourd'hui, c'est le silence radio. Le projet LOL serait donc à nouveau tombé à l'eau ?

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La Bible satirique de Robert Crumb dans Télérama

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On a enfin vu X-Men Origins : Wolverine dans sa version définitive et pu apprécier le coup de griffes de Hugh "Logan" Jackman. Comme on s'y attendait (un peu), l'ensemble est enlevé, formidablement spectaculaire mais échoue encore une fois à rendre toute la complexité et la profondeur d'un personnage qui, avec les années, était devenu l'un des plus intéressants de l'univers Marvel. Le film n'est pas bon, tout le monde le dit, et encore moins une réussite absolue pour les amateurs de comics et les fans du griffu.

Logan est le Lucky Luke barbare des X-Men, un monstre de sauvagerie capable d'éructations animales et en même temps (l'un de ses points communs avec Hulk), un animal blessé, un enfant abîmé, amnésique à la recherche de sa part d'humanité. Alors que les comics choisissent souvent leur angle d'attaque : l'action ou l'introspection en dominante mais sans renoncer au fil des séquences à jouer sur les deux pôles d'attraction du poilu, le film hésite assez peu avant de laisser tomber la part sombre de Wolverine pour en faire une machine de guerre. Le début du film est symptomatique de cette option : le réalisateur démarre en copiant quasi plan à plan le Wolverine Origins de Jenkins et Kubert et ouvre sur une scène iniatique qui nous donne un aperçu de ce qu'aurait pu être un film de Wolverine victorien et inspiré des Hauts de Hurlevent (ce qui est le cas de ce chef d'oeuvre bande-dessinée).

Logan est flanqué d'un pâlot Sabretooth, trop méchant pour être crédible sur la pellicule; Wolverine le film devient un film d'action assez traditionnel d'où les éléments psychologiques introduits par le run de Barry Windsor Smith sont soigneusement évacués. Il aura beau perdre 2 fois sa nana, Jackman n'approche jamais la justesse et la tristesse des comics. Quitte à aller jusqu'au bout, Marvel aurait dû se payer d'emblée un Wolverine vs Hulk qui aurait eu une meilleure gueule, ou à développer l'alliance Wolverine-Captain America contre le joug nazi. (Question subsidiaire : quelqu'un a-t-il vu un cameo lors du débarquement du Captain ? Pas moi en tout cas....)

Etrangement et pour une fois, c'est donc la relative homogénéité du film qui plombe son impact et limite sa séduction. L'équipe de superbâtards réunie autour du griffu n'est pas assez individualisée pour prendre corps - elle n'existe pas sous cette forme dans les comics, le réalisateur ayant essayé de fourrer le maximum de personnages en un minimum de temps - et s'en désintéressant dès qu'il a présenté (en 10 minutes) les pouvoirs des uns et des autres. Il ne s'agissait pas de refaire les Inglorious Bastards ou les X Men, mais tout de même. A quoi bon se payer une équipe si c'est pour s'en servir si peu ? Au jeu du qui s'en sort le mieux, Gambit tire son épingle du jeu, Deadpool est à la ramasse en ninja blanc démasqué. Pour le reste, l'équipe ne vaut pas grand chose et le personnage de généralissime devenu emblématique des films adaptés de comics (voir Iron Man, Hulk,...) n'a pas plus d'intérêt qu'ailleurs.

Là encore, si on peut reprocher une chose au film, c'est son parti pris d'efficacité à tout va et l'incapacité à ralentir le rythme, qui est l'un des travers du cinéma Marvel actuel (je mets de côté le Hulk de Ang Lee, le seul peut-être à avoir échappé à la règle et qui l'a payé cher). Point positif tout de même côté ciné : les scènes de transformation (injection du produit, plan du squelette) de Wolvie en bête d'adamantium sont épatantes et graphiquement superbes, ce que la BD n'a jamais réussi à rendre de cette manière. Quant à Hugh Jackman, son charme ténébreux nous laisse tout de même un peu sur notre faim. Si on s'est habitué avec les films X Men à le voir dans ce rôle, on peut, en lecteurs avertis des comics, le trouver un peu trop "mannequin" et sec pour le rôle. Son poil est trop bien taillé et presque trop discipliné pour le personnage qu'on connaît. Son regard est trop "normal" et travaillé pour convaincre dans les grandes scènes de colère, comme si, à chaque fois, il avait voulu poser sur la photo. Le Wolverine de bande dessinée a une énergie et une animalité que Jackman n'approche que trop rarement. Sa vision d'un Wolverine sombre est un peu trop claire pour nous.

Les livres ou le film donc ? Comme à chaque fois, on répond la même chose : les livres bien sûr mais on peut aussi voir le film pour d'autres raisons et s'amuser tout autant. La distribution (officielle) de pop corns, c'est maintenant sur vos écrans. Pour les autres, c'est aussi la fête à Wolvie dans les étals de librairie avec des rééditions si nombreuses qu'on n'ose même pas les détailler.

Tout savoir sur les X-Men

Watchmen : les gardiens est un bon film. Il n'est ni une trahison, ni un massacre en règle du travail d'Alan Moore et de Dave Gibbons comme ont pu l'être à peu près toutes les adaptations du scénariste de Northampton. Zack Snyder, dont on n'avait pourtant pas aimé le 300, a fait le boulot avec amour et en a tiré un film qui a gardé suffisamment des caractères initiaux du roman graphique pour qu'il ne soit pas uniquement la machine à pop corn que certains attendaient avec effroi.

Mon Watchmen préféré

Lorsqu'il s'agit de comparer Watchmen le film et Watchmen la BD, on n'est pas, pour une fois, dans la situation déséquilibrée où on compare une panouille et un chef d'œuvre. La supériorité de la BD tient ici avant toute chose à son format et aux qualités qui en découlent. Moore, interrogé (un bon milliard de fois) sur l'adaptation en cours avait dit quelque chose d'évident mais de terriblement vrai : - Pourquoi est-ce que vous ne vous intéressez pas au film, Monsieur Moore ? - Parce que Watchmen est une BD et pas un film. C'est là que se trouve la réponse.

Dans le film, Snyder a mis sur le même plan à peu près tous les Watchmen, leur consacrant à chacun un développement en flashback (sauf à Ozymandias qui en pâtit terriblement) qui permet de contextualiser leur présent et de coller à la structure de la BD. Ce type d'exposé fonctionne très bien en livre mais un peu moins en film. Les règles du cinéma veulent que le présent des personnages permette peu à peu d'en dévoiler la psychologie et l'historique et pas qu'on se lance dans des bulles cryptotemporelles de ce type (ok, il y a Citizen Kane et aussi... La Cité de la peur). Là où le livre permet un attachement du lecteur à l'un ou l'autre des personnages (la force de Rorschach emporte tout dans le livre), le cinéma juxtapose 4 ou 5 sous-récits de 10 minutes strictement égaux. Ce séquençage équitable ne nous permet pas de formuler une VRAIE préférence.

Réalisme graphique et temps du récit

La supériorité du roman graphique transparaît bizarrement aussi dans le rendu du réel. Paradoxalement le film fait moins vrai et moins réel que le dessin aux couleurs vives de Gibbons. La mise en case de Moore (9 par page) produit un effet déambulatoire et un rythme ralenti (lorsque Rorschach se déplace notamment, sur les premières pages, lorsqu'on rentre chez Moloch ou lorsque le Hibou discute avec Hollis...) qui sont beaucoup plus réalistes que les quelques secondes du monde réel proposées par le film pour décrire la réalité, et qui reposent toutes sur des clichés narratifs ou des cinèmes déjà vus ailleurs.

La BD a un temps, des temps dont chaque segment peut, sous l'effet de la lecture, prendre une durée et une saveur différentes. Le cinéma offre, lui, un découpage standardisé où l'émotion et la substance sont prédécoupées, et ont déjà fait l'objet d'une utilisation dans d'autres films. Le refus de Snyder de se confronter au squid est une autre illustration de ce phénomène. Là où Moore peut se payer un instrument de fin presque comique (tragique, évidemment), le cinéma ne peut se l'offrir car il n'a pas de référent qui permet de stimuler le spectateur dans le bon sens. Les monstres de cinéma sont des monstres qui mettent du temps à apparaître (Godzilla, King Kong, le truc de Cloverfield), qu'on a du mal à montrer. Le cinéma, contrairement à la BD, ne peut pas se permettre de juxtaposer l'absurde et le sérieux, le surréaliste et le psychologique sans griller ses effets.

Il suffit de voir à quelle vitesse est tué Rorschach dans le film pour voir que quelque chose cloche.

Lire la chronique du film Watchmen : les gardiens

Roman autobiographique inachevé, Le Premier Homme d'Albert Camus fait pour la première fois l'objet d'une adaptation au cinéma, par l'italien Gianni Amelio (Les Enfants volés).

Le tournage du film, coproduit par la France et l'Italie, débutera début avril en Algérie et en France. C'est l'acteur Jacques Gamblin qui incarnera le rôle de Jacques Cormery, l'alter ego de Camus dans le roman, un homme de 40 ans qui retourne dans son Algérie natale d'avant la guerre et s'y remémore son enfance. Claudia Cardinale jouera quant à elle la mère du personnage principale, une femme belle, mais sourde et distante. Denis Podalydès figurera également dans la distribution.

Source : Variety

L'écrivain américain Chuck Palahniuk a décidément la cote au cinéma ! Après Fight Club, adapté par David Fincher, Choke par Clark Gregg, Survivant qui devrait être réalisé par Francis Lawrence (Je suis une légende) et Berceuse, supposément optionné par un réalisateur suédois encore inconnu, il semblerait que ce soit au tour de l'inénarrable Haunted (A l'estomac en VF) d'avoir trouver son réalisateur.

Relativement, pour ne pas dire, totalement inconnu, le belge (oui, oui, vous lisez bien !) Koen Mortier s'est donc engagé à adapter l'inadaptable, soit les 23 nouvelles déguisées en roman de l'écrivain culte de toute une génération. A l'origine d'un premier long métrage titré Ex-Drummer, un film très "rock'n'roll" selon la critique, Koen Mortier devra notamment relever le défi de mettre en image la fameuse nouvelle "Guts", celle dont la seule lecture, donnée par l'auteur un peu partout dans le monde, a déjà provoqué course aux toilettes pour vomir et évanouissement... Je vous laisse imaginer ce que cela pourrait donner sur grand écran. Souhaitons que les CGR et autres multiplex prévoient des sacs comme dans les avions (enfin, plus résistants toutefois que ceux des avions) et une bannière d'interdiction au moins de 12 ans (minimum).

Dans le même ordre d'idée, on attend avec impatience l'annonce de l'adaptation du Festival de la couille...

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La chronique de Peste

La chronique de A l'estomac

La chronique du film Choke

Photo : © CHRISTOPHE ENA/AP/SIPA

Avant même la sortie du film The Informers, tiré du roman Zombies ! de Bret Easton Ellis, une rumeur court déjà sur le net : le chapitre intitulé "Les secrets de l'été" dans le livre aurait entièrement disparu du film de Gregor Jordan, dont l'adaptation était pourtant co-signé par l'écrivain lui-même.

Brandon Routh, acteur envisagé dés le début pour jouer le rôle de Jamie, le vampire du livre, explique qu'"il n'est plus question de vampires, ni de zombies dans le film. Il s'agit juste de mettre en lumière la superficialité des gens, leur immoralité et leur passivité". L'acteur John Graham, chargé de jouer le rôle du fils de Billy Bob Thornton dans le film déclare quant à lui qu'il trouve regrettable les changements de dernière minutes imposés par les studios, évoquant une certaine "dissonance" entre l'ambition du livre et le scénario.

The Informers, dont le trailer est déjà partout sur le net et qui verra Mickey Rourke, Kim Basinger, Winona Ryder et Billy Bob Thornton incarner les personnages d'Ellis, a d'ailleurs reçu un accueil plus que mitigé au fameux festival Sundance, selon les dires du réalisateur lui-même. "Enfants gâtés. Drogues. Sexe. Amber Heard nue. Sida. Infidélité. Kidnapping. Désordre. Ennui. Sans intérêt. Epouvantable", pouvait-on lire sur le site Defamer le lendemain de la projection. Des réactions finalement similaires à celles qui accueillent régulièrement tous les livres d'Ellis. Les américains n'aiment décidément pas se voir dans un miroir, fusse-t-il la surface réfléchissante d'une luxueuse piscine de Beverly Hills.

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America Psycho, le musical

Bret Easton Ellis déshabillé par Bégaudeau

Guillaume Musso / Gilles Bourdos. Première adaptation d'un roman de Guillaume Musso réalisé par Gilles Burdos, Et après (14 janvier) repose, lui, sur un casting imposant : Romain Duris, John Malkovich... Cela sera-t-il suffisant ?

Francis Scott Fitzgerald / David Fincher. Le réalisateur de Seven a relevé un défi en adaptant L'étrange histoire de Benjamin Button (4 février), une nouvelle de Francis Scott Fitzgerald réputée inadaptable. Le film, dans lequel Brad Pitt tient l'un des rôles principaux, aura du attendre 14 ans avant de sortir en salle.

Anna Gavalda / Zabou Breitman. Deux ans après l'adaptation d'Ensemble, c'est tout, les fans d'Anna Gavalda pourront voir Je l'aimais en film, avec Daniel Auteuil dans l'un des rôles principaux.

Sempé & Goscinny / Laurent Tirard. En portant sur grand écran les aventures du Le Petit Nicolas, Laurent Tirard porte une lourde responsabilité. Inventé par Sempé et Goscinny, Le Petit Nicolas est un véritable monument de la littérature jeunesse. Valérie Lemercier et Kad Merad joueront le rôle des parents du garçon dans le film prévu pour septembre.

Muriel Barbery / Mona Achache. Annoncée depuis quelques temps déjà, l'adaptation de L'élégance du hérisson sortira le 30 septembre. Avec Josiane Balasko dans le rôle de la concierge, elle comblera ou décevra les très nombreux adeptes du livre.

Christian Gailly / Alain Resnais. Toujours du côté cinéma français, Alain Resnais donnera une adaptation de L'incident de Christian Gailly, avec ses comédiens fétiches André Dussollier et Sabine Azéma avec Les Herbes folles (21 octobre).

Les cinémas proposeront au cours de l'année bien d'autres films tirés de romans. Citons, dans le domaine français : L'Autre (4 février), de Patrick Mario Bernard et avec Dominique Blanc, adapté de L'Occupation d'Annie Ernaux ; Villa Amalia, de Benoît Jacquot et avec Isabelle Huppert, adapté du livre éponyme de Pascal Quignard ; Coco avant Chanel d'Anne Fontaine et avec Audrey Tautou, tiré de L'irrégulière d'Edmonde Charles-roux.

Passons sur les phénomènes Dan Brown, Harry Potter et Millenium, qu'on retrouvera également sur grand écran en 2009, mais dont on entendra assez parler en temps voulu, pour signaler également : Une histoire de Noël (25 octobre), un film d'animation 3D de Robert Zemeckis (à qui l'on doit la trilogie Retour vers le futur) avec Jim Carrey, tiré du classique Un Chant de Noël de Charles Dickens, ainsi qu'une nouvelle adapatation de Sherlock Holmes, avec Robert Downey Jr et Jude Law dans les rôles des célèbres détectives.

Source : Livres Hebdo du 12 décembre 2008

Nos amis critiques de cinéma ont fait un (trop) joli sort à La Belle personne de Christophe Honoré, au motif que c'était une "adaptation" contemporaine de La Princesse de Clèves, un film ultrasensible et (surtout) que l'actrice principale, la fille Seydoux (quel talent de père en fille, affaires, arts, même combat) était sexydiaphane comme il fallait. Sans doute ont-ils été peu nombreux devant Arte, avant ou après la projection en salle, à se replonger dans le roman de Mme de La Fayette pour vérifier si cette idée d'adaptation tenait la route ou si ce n'était qu'un argument marketing comme un autre pour donner une tenue à cette sorte de navet blanc des beaux quartiers (se reporter sur ce point à l'intéressante colonne parue dans Libération et qui évoquait intelligemment la (ré)vision des "minorités" dans le film).

Quel point commun peut-on trouver entre ce film de collège (l'histoire d'amour entre un ténébreux professeur d'italien - aussi crédible que je le serai en professeur de technologie - et l'une de ses élèves) et un roman chef d'oeuvre paru en 1678 ? Personnellement, je ne vois pas ou alors pas grand chose qui soit à l'avantage du film. Si l'on reste à la surface des choses, les seuls points communs évidents (si l'on écarte le décalque malhabile de l'histoire qui font que... hum... Men in Black est une adaptation de... Hamlet) sont une sorte de préciosité et l'apparence gracile des protagonistes. Dans le roman, l'action se situe à la cour du roi Henri II, réputée pour réunir des aristocrates jeunes, très jeunes et particulièrement stylés. Dans le film d'Honoré, le tout est transposé dans un lycée des beaux quartiers de Paris où tout le monde est riche, à défaut d'être vraiment beau : bonjour l'ambition. Ce qui fait clocher avant tout ce projet d'adaptation en tant que tel, c'est avant tout les 420 ans qui nous séparent du cadre originel et l'évolution du coeur et des moeurs qui s'est produite entre temps. Là où le roman de Mme La Fayette faisait merveille, c'était dans la présentation d'un cadre moral strict et gentiment perturbé (terriblement perturbé) à l'intérieur du personnage central (la Princesse et ses fameux monologues intérieurs, premiers du genre avant le genre), par une passion naissante et jamais actualisée.

Chez Mme La Fayette, on sent, passée la phase introductive, assez pénible à lire aujourd'hui, trop longue, mais en soi assez fascinante, la société déployer ses règles et contenir les êtres comme un grand corset géant. Ce qui compte ici c'est le frémissement qui s'empare de l'héroïne, seize ans à peine, lorsqu'elle rencontre le Prince de Nemours alors qu'on l'a déjà "vendue" au Prince de Clèves. Chez Honoré, le contexte a changé : les coeurs et les corps sont libérés. Les protagonistes ont le droit de s'en servir comme il leur plaît, si bien que tout le dispositif de frustration, de containment du sentiment amoureux est non seulement désactivé mais ne peut espérer dégager la même force que dans le roman. Mme La Fayette qui, elle-même, choisit de situer son intrigue dans le propre passé de son époque (pour créer un décalage temporel), n'est pas dupe de l'évolution des moeurs. Les précieux ont gagné du terrain et l'afféterie menace déjà. Le libertinage est présent et incarné plus ou moins directement par le personnage de Nemours qui renonce, d'une certaine façon, à ses obligations envers la Couronne (l'Education Nationale dans le téléfilm) pour vivre sa passion (ou ne pas la vivre) avec la Princesse de Clèves. Il l'épie, la poursuit, se jette sur son chemin comme un mendiant sous une voiture. Ce voyeurisme naissant et un rien pervers peut être vu alors comme le comble de l'audace. A notre époque, il est tout bonnement incompréhensible et sans intérêt, incapable du moins de produire la même intensité. "Voir, au milieu de la nuit, dans le plus beau lieu du monde, une personne qu'il adorait, la voir sans qu'elle sût qu'il la voyait, et la voir tout occupée de choses qui avaient du rapport à lui et à la passion qu'elle lui cachait, c'est ce qui n'a jamais été goûté ni imaginé par nul autre amant."

Ce qui était novateur et haletant, dramatique et quasi insoutenable dans le roman, devient précieux (pour le coup) et affecté dans La Belle Personne, sorte de fantasme passéiste et bourgeois d'une impossibilité d'aimer qui tient plus désormais du caprice (la belle personne vous emmerde ou ne vous kiffe pas assez pour baiser avec vous) que de la réalité de son temps. L'autre changement décisif qui rend l'adaptation inopérante est évidemment l'apparition d'une nouvelle catégorie humaine : l'adolescent(e). Lorsque Mme de La Fayette écrit, il n'y a pas encore ce statut intermédiaire entre l'enfant et l'adulte qui, quatre siècles plus tard, change la donne. Dans la société contemporaine, on voit mal pourquoi (la société l'encourage), l'adolescence choisirait d'aller à l'encontre de son désir, dans la mesure où toute action, fut-elle scandaleuse ou idiote, issue de cet âge ingrat est immédiatement excusée et excusable, ou du moins imputable à cette appartenance générationnelle qui autorise les écarts. Là encore, le film se caractérise par son absence d'enjeu pour la belle Personne précisément. On peut considérer que le déport de risque se fait sur le personnage de Nemours (le professeur d'Italien) et par rapport à sa position. On répondra qu'on en a vu d'autres. L'amour est bien rendu impossible, à une époque individualiste, par une décision individuelle plus que par un système social : c'est ce qui fait la différence.

Pour conclure et pour revenir à notre question, le livre ou le film ?, il faut, encore une fois, donner l'avantage au livre, monument littéraire, premier roman parmi les premiers romans, chef d'oeuvre de retenue bouillonnante, contre un film terriblement "versaillais" et qui joue sur des situations qui n'existent plus de cette manière. Si la Princesse du film est aveugle, c'est parce qu'elle le veut -vaut- bien ou parce que son cinéaste l'est aussi. On ne peut pas faire un film aujourd'hui en tenant le monde à distance. Cela ne fonctionne tout simplement pas et ça compte pour du beurre.

Les œuvres de Philip Roth sont décidément un bon filon pour les cinéastes. Son dernier roman, Indignation, vient à peine de paraître aux Etats-Unis (Houghton Mifflin, 16 septembre), que le producteur hollywoodien Scott Rudin (No Country for Old Men, There Will Be Blood) a déjà déposé une option dessus. Mais si beaucoup des livres de Philip Roth ont donné lieu à des adaptations cinématographiques, l'écrivain leur accorde cependant peu d'estime ou d'intérêt.

Récemment, Isabel Coixete a réalisé Elegy, tiré du roman La bête qui meurt (The Dying Animal) et dans lequel Penelope Cruz tient l'un des rôles principaux. Le film a remporté peu de succès, la beauté fulgurante de l'actrice ne suffisant pas toujours. Philip Roth s'est justement contenté d'approuver la prestation de cette dernière.

Il se montre encore moins complaisant envers l'adaptation de La Tache qu'a donné Robert Benton en 2003, The Human Stain (La Couleur du mensonge en français) avec Nicole Kidman et Anthony Hopkins en vedette. "Intolérable", déclare-t-il au sujet de ce film. Même jugement envers Portnoy's Complaint d'Ernest Lehman (Portnoy et Son complexe, 1972), tiré de son roman du même nom.

Et du coup, le voilà tout déçu du résultat. Il est vrai que les deux adaptations les plus récentes, La Couleur du mensonge et Elegy, se sont avérés bien fade en regard des romans qu'elles sont plus ou moins censées retranscrire à l'écran. Mais bon, on en revient toujours à cet éternel débat, à savoir le livre ou le film ?, débat qui pour beaucoup de grands lecteurs n'a déjà plus aucune raison d'être.

Source : Associated Press, New York

La "malédiction Alan Moore" s'étend à Maurice Dantec. L'adaptation de La Sirène rouge avait été un désastre Mégatonnique de lourdeur et de maladresse et on se demande ce qui pourrait advenir des Racines du mal si elles étaient placées entre de mauvaises mains. Babylon babies, le troisième roman de Dantec, et le second dans lequel apparaît le Mercenaire philosophe Tooroop, est mon préféré avec Grande Jonction, pour la linéarité de sa trame, l'efficacité de son style et son souffle épique. On craignait que Kassovitz n'en fasse n'importe quoi et on n'avait pas tort, même si ce n'importe quoi nous plaît assez en définitive, proposant un digest de Dantec tout à fait convenable et qui d'une certaine façon ne dénature pas son propos.

Qui est qui

Tout le monde a entendu parler des difficultés du réalisateur de La Haine pour boucler un projet qui lui tenait à coeur et sur lequel il travaillait depuis des années : un budget énorme mais pas suffisant pour boucler le film, une relation immédiatement conflictuelle avec l'acteur principal Vin Diesel, et des interventions castratrices des studios. Du Hollywood pur jus, donc, mais il ne fallait pas commencer. Par delà ce blabla, Babylon A.D. est un film d'action SF mainstream et Babylon Babies un roman en forme de conte philosophique, ce qui fait qu'ils ont assez peu de rapports l'un avec l'autre.

Le film échoue là où attendait qu'il échoue : rendre la langue de Dantec, l'intrication de la science et du texte, les détours philosophiques placés comme de petites bombes à neutron au coeur de l'action. Les délires liés aux amphétamines sont évacués. Le cinéma ne pouvait rien en faire sans déstructurer son attirail : on ne lui en veut pas. L'image est incapable de rendre l'intelligence ou la réflexion autrement que par le mécanisme lourdaud de la voix off (je fais une exception pour Ghost Dog) : celle de Vin Diesel ne tient pas la distance et on ne croit pas une seule seconde à la qualité réflexive de ce dernier. Le film échoue à donner une crédibilité à Aurora et à ce qu'elle porte. La seconde moitié du film est expédiée en un tour de main assez triste où le Mérovingien Lambert Wilson vient donner l'assaut argumentaire final (les bébés du futur, bah oui) comme pour se débarrasser d'une patate chaude. Ajoutons à ça la performance nullissime d'une Charlotte Rampling venue gagner son troisième tiers prévisionnel (?) en épouvantail sectaire et on tient l'une des mises en images les plus médiocres qu'on ait vue depuis un bail.

Le verbe ou l'image

L'échec de Kassovitz est en partie l'échec du cinéma devant le livre, mais également le sien : son approche formelle est rudimentaire, sans imagination, là où le livre demandait une réflexion véritable sur la langue du cinéma et ses moyens. Dantec est l'écrivain par excellence, l'homme du verbe. Babylon Babies inadaptable ? Pas si sûr et d'ailleurs le film ne manque pas d'intéresser. Kassovitz, à défaut de faire avancer la réalisation, semble emprunter un moment la seule voie qui aurait pu le tirer d'affaire : celle du western. Babylon Babies est comme Grande Jonction un western, avec sa caravane, ses femmes, son cowboy. Kassovitz hésite à se lancer, tente quelques scènes cinématographiques mais peine à articuler les sections épiques du roman (celles où le trio roule à travers la plaine par exemple) et les sections urbaines. On entrevoit quelques bons points : le sous-marin, la fusillade où la mère supérieure perd la vie, la cabane au Canada, mais le parti pris n'est pas suivi. L'ouverture du film est symbolique à cet égard : Kassovitz aurait dû faire Pale Rider et il plagie Rambo.

Si le film n'est pas un échec complet (on marche dans l'émotion finale, aussi péniblement exposée soit-elle, on retrouve des sensations), c'est parce que Diesel tient la boutique. Son jeu sans relief donne une version de Toorop à laquelle on avait pas pensé en lisant le livre : une version brutale. Le guerrier philosophe qui nous plaisait dans le livre a ici une consistance plus primitive : il parle comme une petite frappe avec une voix de basse, il a des avants-bras dessinés, le crâne rasé. Diesel est beau avec son humour bidon et son visage inexpressif. D'une certaine façon, il propose une variante light du personnage de Dantec qui vaut la peine : un Dantec de petits casseurs passés professionnels, un avant-Toorop d'après l'apocalypse. Vin Diesel ne joue pas le héros fatigué, il en est incapable. Il joue l'agent du destin. Depardieu est bien dans son rôle, malheureusement tenu en une poignée de secondes et Mélanie Thierry, avec son visage toujours jeune et un rien détraqué, fait une Marie Zorn tout à fait crédible. Marie Zorn a de grands yeux et Mélanie Thierry a les yeux les plus ronds de la planète cinéma, au point qu'on la trouve parfois aussi touchante et "extraterrestrielle" qu'E.T.

Dantec pour tous

Babylon A.D. prend quelques bons points lorsqu'on arrive à New York également : Kassovitz réussit quelques plans, quelques intérieurs. La mécanique hollywoodienne n'est pas si éloignée alors de la sophistication primitive de Dantec, l'homme qui, sous la science, fait un polar de supermarché. Le film se sauve en n'étant pas prétentieux. Il y a aussi ça chez Dantec : une littérature humble, presque populaire, que la médiocrité du film rend bien. Dantec est viril, couillu. Babylon A.D l'est un peu, presque vulgaire. Dantec est madeleine lorsque Toorop devient le "père" des enfants, lorsqu'il meurt et renaît. Dantec est passion, christique résurrection pour catéchisme de première année. Babylon A.D le suit à la trace et fait merveille. Kassovitz touche à la grâce sur une seule scène : lorsque Toorop et Marie Zorn sont dans la salle de bains. Toorop s'est fait sa piquouze et Mélanie Thierry arrive derrière lui l'épaule dénudée, belle comme Emmanuelle Béart dans Manon des sources. Elle est pourtant maquillée comme une femme. Toorop a la gaule mais la moine arrive. Les regards qui s'échangent valent de l'or et on croit un instant que le film pourrait se faire comme il faut. Raté.

Livre et film échangent finalement plus leurs défauts que leurs qualités. Le livre l'emporte haut la main mais le film fait un bon fond d'écran à la lecture d'un roman de Dantec avec ses explosions et son univers respectueux. Dantec trahi, Dantec massacré. Pas sur ce coup-là, mais ça n'est pas passé loin. Dantec vulgarisé peut-être. Dantec pour les chasseurs et les amateurs de tuning. Il n'y a même pas de rock dans le film, c'est dommage.

Les sagas qui s'offrent un épisode 2 meilleur que le premier ne sont pas légion : Retour vers le futur 2, Le Parrain (?), Batman "Reborn" sûrement et quelques autres. Hellboy et la Golden Army (traduit balourdement en Hellboy 2, les légions de l'or maudites) fait clairement partie de ces exceptions. Le premier volet était appliqué, didactique (il fallait installer le personnage, tout aussi délicat à manier en bd qu'au cinéma, tant il est improbable), lesté par une volonté de rendre à l'adaptation toute la densité psychologique que Mignola a insufflée à sa créature depuis sa création en 1994 (?). Del Toro avait par ailleurs souffert pour rendre le graphisme si particulier (taillé à la serpe, ultra économe) de Mignola depuis sa palette baroque habituelle. Le Labyrinthe de Pan est passé par là et il semble que cela ait débloqué le réalisateur.

Del Toro n'a pas hésité cette fois à féconder l'univers steampunk de Hellboy avec son imagerie baroque et gothique : le film ne lésine pas sur les effets de couleurs, les dorures et embrasse à bras le corps les fantasmes d'irréalité et de fantaisie du comics, si bien qu'on se sait parfois plus dans un film de Del Toro que dans une adaptation de Mignola. "Ce qui est bien, c'est que tu t'es approprié la chanson", on dirait dans le jury de la Star Ac. C'est exactement ça.

Etrangement, Del Toro réussit avec ce second volet bien foutu à se débarrasser d'une des pires tares des adaptations de comics sur grand écran : l'obligation de faire sérieux, ou d'essayer de donner le change. Secondé par Mignola, qui a écrit une bd spéciale (une séquelle en forme de préquel, disons, ou de produit dérivé) destinée à détailler un peu plus l'origine de la Golden Army dont il est question dans le film (prologue notamment), Del Toro ne s'est refusé aucune fantaisie. La première et la plus payante est d'avoir fait entrer sur scène le personnage fabuleux du Johann Kraus, le médium dématérialisé, sorte de fumée spirite contenue dans un scaphandre et qui fait parler les corps et les objets. Kraus est une merveille cinématographique, un personnage incroyable qui sur le plan visuel dépasse finalement son double BD originel.

Selma Blair continue avec son visage parfait d'incarner une Liz Sherman très équilibrée, érotique et responsable qui oppose sa sagesse et son esprit pratique à la force et au côté rêveur d'Hellboy. Etrangement, et alors qu'il constituait l'atout n°1 du premier film, c'est le personnage principal qui pêche ici un tantinet. Les tentatives d'humaniser Hellboy (la scène de beuverie avec Abe) ne fonctionnent pas et les séquences de comédie, même si elles sont ponctuées par des bons mots... très efficaces, ne parviennent pas à convaincre. A décharge du cinéaste, ces séquences ne sont généralement pas non plus les plus réussies des comics. Toujours est-il que Hellboy est clairement en retrait ici et se fait manger la feuille par les seconds rôles.

Là où comics et film se rejoignent et s'égalent, c'est quand il s'agit de narration. Mignola est un organisateur de discours narratif imparable et Del Toro n'a rien à lui envier. Le prologue est impeccable, ainsi que l'alternance des séquences d'actions (très nombreuses et ultraspectaculaires), de repos, d'explication. Il est assez rare dans un film d'action que les séquences de comédie soient intégrées de manière aussi fluide à la dynamique du film. C'est peut-être l'un des secrets des comics : alterner l'action pure et le côté sitcom gothique du BPRD. La romance entre la princesse Nuada et Abe se situe dans cette ligne et, si elle alourdit la trame du récit, est salutaire en matière d'équilibre. Là où le film fonctionne parfaitement, c'est lorsqu'il dépasse la folie des comics et déploie ses moyens infinis au service d'une vision fantasy : animation de la Golden Army (idée idiote s'il en est) façon Mirrormask, le marché des trolls (idée idiote n°2), composition d'une équipe de joyaux lurons type Magicien d'Oz. Del Toro réussit à rendre le caractère rétro de la BD avec des moyens ultramodernes. Comme Mignola, il trouve la forme qui lui permet de créer l'émotion nostalgique (le métal, l'armée, le rêve) depuis l'effet spécial.

On peut trouver Hellboy 2 assez peu satisfaisant au final (le scénario est ultrafragile et difficile à avaler, le méchant foireux) mais reconnaître qu'il constitue, ce qui n'est pas fréquent, une vraie réussite d'adaptation, une vraie transposition de l'univers de la BD, avec ses qualités et ses faiblesses. Contrairement à Wanted et à Hulk, il y a ici un vrai travail d'auteur et une sorte d'égalité de moyens (et de fins) entre les médias. Match nul donc, en ce qui nous concerne.

Enfin les choses sérieuses pour notre série "le livre ou le film" ? avec ce Batman Reborn 2 (appellation maison pour oublier les pas si mauvais Batman 3 et 4, soit Forever et Batman et Robin, avec leur kyriade de stars hollywoodiennes, George Clooney, Nicole Kidman, Jim Carrey et, best of all, Arnold "Freeze" Schwarzenegger) annoncé depuis des lustres et précédé d'un bouche à oreille buzzique phénoménal. Christopher Nolan est toujours aux manettes et continue de valoir mieux (bien qu'il soit moins drôle) que Joel Schumacher, même si son Batman Begins laissait clairement à désirer sur le plan scénaristique en plaçant l'infâme Ra's Al Ghul et sa ligue des ombres (l'une des adversités les plus nazes du chevalier noir) au centre de l'intrigue mais surtout en proposant des séances d'initiation kung-fu qui faisaient passer Highlander pour La Fureur du Dragon.

Nolan avait donné néanmoins quelques gages intéressants aux amateurs de la BD : un récit des origines bien tenu et mis en scène, une lumière sombre et un design en rupture avec le travail de déconstruction gay entrepris entre 1995 et 1997 par Schumacher, un Batman bien campé par un Christian Bale aussi beau qu'inexpressivement aristocrate. Le nouveau Batman était classe, techno et dark, c'était tout ce qu'on pouvait lui souhaiter.

Avec ce The Dark Knight, on s'attendait sur le titre évidemment à ce que Nolan aille chercher la vérité du personnage du côté de chez Frank Miller, auteur de deux ouvrages-séries essentiels et très prochainement réédités en format luxe (70 euros avec quelques bonus), baptisés The Dark Night ReturnsThe Dark Knight Strikes Again et (DK2 pour les intimes). Si on se demandait ce que Nolan pourrait tirer du second (ses couleurs bariolées et son découpage ultraexpérimental), on voyait tout le profit qui aurait pu être tiré du premier, présentant un Batman à la retraite depuis 10 ans et obligé de reprendre du service face à des menaces de plus en plus présentes.

Finalement, et de manière surprenante (le visuel de feu Heath Ledger en Joker nous avait mis la puce à l'oreille), en le disant du bout des lèvres, Nolan a choisi d'adapter non pas Frank Miller, dont il n'y a pas grand chose ici, mais (le méchant!) quasi intégralement le Killing Joke d'Alan Moore et Brian Bolland. Sorti en 1988, il y a tout juste 20 ans, The Killing Joke est une BD one-shot de quelques dizaines de pages seulement qui résume (ou concentre) l'univers de Batman en un fabuleux duel psychologique (et essentiellement psychologique) entre le Chevalier Noir et son ennemi intime, Le Joker. Le principe retenu par Moore au scénario est que le Joker est non seulement un dangereux maniaque psychotique (il tue Barbara, la fille de Gordon, à bout touchant) mais aussi un type normal qui a versé, par fatalité (et accessoirement sous l'effet d'une sorte d'un déterminisme de classe), du côté obscur de la force. Batman et le Joker sont nés d'un "bad day", un jour de déveine. L'homme, dit Moore en substance, est aussi fou que raisonnable. Batman et le Joker sont plus proches qu'ils n'en ont l'air, pourraient être aussi bien une seule créature séparée en deux à la naissance et surtout composent un être symbiotique qui ne peut pas se passer d'une de ses moitiés.

Le coup de génie de Nolan est de reprendre quasi à l'identique les 2 scènes d'interrogatoires qui figurent dans Killing Joke et qui mettent face à face le Joker et Batman. Dans le livre comme dans le film, Batman admet qu'il dépend du Joker, ressent physiquement le trouble de sa présence et considère l'impossibilité qui est la sienne de le mettre à mort. La notion d'ennemi intime n'a jamais été aussi présente. Avec Bale et Ledger, Nolan s'offre une relecture quasi parfaite de ces séances et donne une belle crédibilité à tout son film. L'"evil clown" est parfait, mêlant à juste proportion l'angoisse, la peur, la farce et la brutalité. Si Tim Burton, en son temps, avait lui aussi avoué s'être inspiré de The Killing Joke, c'est bien Nolan qui en exprime le mieux la vérité (il faut dire qu'avec Nicholson en joker, l'affaire était plus compliquée).

Du coup, le film se tient assez bravement au niveau des meilleurs comics de Bob Kane et de ses relectures suivantes. On aurait aimé un peu plus d'audace, d'engagement et finalement de réalisme (Gotham est sublime graphiquement mais manque un peu de personnalité) mais il faut se satisfaire de ce que l'on a et ne pas prêter aux illustrés des qualités qu'ils n'ont pas. Si The Killing Joke est une belle (et décisive) variation sur les rapports entre héros et supervillains, The Dark Knight est une impeccable mouture de film d'action intelligent, un grand spectacle à la fois populaire et exigeant (les rapports politique/mafia, la croisade pervertie de Dent).

Avec ce film quasi irréprochable (texture, ambiance, variation sur le personnage d'Harvey Dent, tension psychologique, Michael Caine en Alfred et Morgan Freeman en Lucius Fox), Nolan fait mentir la tradition selon laquelle toute adaptation (ou pseudo-adaptation) d'Alan Moore est vouée au fiasco. Comme souvent avec Batman (foncièrement gay), le seul point noir du film est encore une fois Rachel Dawes. Même sans Miss Kathie Cruise, difficile d'en faire quelque chose. Elle vient mettre du sentimentalisme où il n'en faut pas et ne couche jamais. C'est à désespérer. Elle ne suffit pas néanmoins à gâcher notre plaisir. On espère que les Watchmen suivront et qu'un jour Spielberg se coltinera Tom Strong. En attendant, on fonce sur notre Batmobylette vers d'autres horizons.

Pas facile finalement de se procurer en téléchargement le nouveau (télé)film tiré de l'oeuvre best-seller de l'ami Marc Lévy, oeuvre déjà commentée de nombreuses fois ici et qui, on le rappelle,... vaut ce qu'elle vaut : est-ce à dire que les fans de Marc ne sont pas allés voir ce film ? (Faux). Est-ce à dire que les pirates sont principalement des hommes et que les spectalectrices du dit ami Marc exclusivement féminines manquent de vice quand il s'agit de piller la soeur de leur écrivain favori de ses entrées en salle ? Est-ce à dire que tout spectateur d'un produit Lévy est animé par un sens moral certain ? Est-ce à dire que Mes amis, mes amours, de Lorraine Lévy, ne mérite pas d'être piraté et qu'on n'imagine pas quelqu'un de normal prendre le moindre risque (amende, prison, émasculation) pour s'enfiler le film entier en caméra cachée dans une salle obscure pour ensuite le mettre à disposition sous bittorrent ? Un peu tout cela à la fois. Bravant l'adversité, nous nous sommes tout de même procurés, après des heures de recherche, une copie CAM tout à fait honorable pour constater que nous sommes ici face à un cas assez inédit de MATCH NUL MEDIATIQUE, égalité parfaite entre le support film et le support livre.

Si l'on était sympathique, on dirait, pour s'être déjà tapé en intégralité (si, si) l'adaptation de Où es-tu ? (à ne pas confondre avec Tétéou ? de Richard Gotainer) avec Elsa il y a quelques mois, que Mes Amis, mes Amours est un bien meilleur téléfilm que ce qui avait été fait pour M6 avec Cristina Reali en victime sacrificielle. Le livre est un désastre (écriture en caractère 14, personnages indifférenciables, intrigue boboïque phase terminale, sexe soushamiltonisé; clichés londoniens à la pelle, style inexistant), le téléfilm un naufrage plaisant. On aime bien voir Virgine Ledoyen qu'on tenait jadis (c'était il y a longtemps, figurez-vous) pour une bonne actrice, s'humilier (c'est un bien grand mot) de cette manière, Pascal Elbé et Vincent Lindon dans leur rôle d'amis, amis du quiproquo et de la cocasserie débilitante.

La photo est chouette et le quartier dit français de Londres un endroit où il fait bon vivre si l'on en a les moyens. Lorraine Lévy se dépatouille pas trop mal des scènes de comédie et réussit à nous faire sourire à quelques reprises avec des archétypes de boulevard éculés mais qui fonctionnent par mimétisme et sur leur bonne tronche originelle. Des types de quarante ans qui s'interdisent de recevoir des nanas à la maison pour mieux baiser à couilles rabattues, c'est tout de même le comble de la perversion.

Là où livre et film se valent, c'est dans l'absence totale de surprise et de densité qu'ils nous renvoient. Lévy l'écrivain est aussi surprenant qu'une météo des plages en été sur la Côte d'Azur ou qu'une compét de Formule 1 saison 2004. Lévy la réalisatrice est aussi imaginative qu'un réalisateur de films d'entreprise. La caméra est posée là où on l'attend, les textes placés dans les bouches (pulpeuses ou tiqueuses) sans un épithète qui dépasse, comme si tout ceci était (et on se répète toujours) écrit depuis votre propre "conscience représentative". Les Lévy, c'est la ligne claire de l'art populaire, l'oeuvre qui refuse de vous rendre plus intelligent mais se met exactement et à tout moment à votre hauteur. Le tout est ordonnancé comme une sublime fabrique industrielle de clichés. Pour ceux qui aiment ça (je n'en connais pas ou fais mine de n'en pas connaître - je ne pourrai pas avoir d'amis qui aiment ça, disons le, ils se cachent, ils se taisent), Mes amis, mes amours est parfait de bout en bout et peut sûrement vous détourner du suicide.

Pour les autres, film et livre vous amèneront à en contempler l'idée. Trop de guimauve tue la guimauve. Trop de bonheur tue le bonheur. A trop forcer la comédie on écrit le meilleur des drames.... Ah, j'oubliais, il y a aussi Florence Foresti au casting. Oui, Florence Foresti, la comique qui ne fait pas rire. Son personnage est finalement le plus émouvant du lot et pour cause, elle est beaucoup moins belle que Virgine Ledoyen et c'est en soi, la vraie tragédie du film (même si ce n'est pas le scénario).

Verdict le livre ou le film, donc ? Tu choizes mais, dans les deux cas, tu ne seras pas déçu. Tout y est comme toujours, beau, lisse, épilé comme une fesse de stripteaseuse dans Showgirls. C'est charming comme un béret basque, une baguette et un pot de rillettes. Ca peut se voir en plein air, se lire sur une plage, se transporter dans le sac à main, à l'heure de l'apéro, avant ou après l'amour. La Lévy Connexion est l'universel du Bonheur en branches.

Des multiples adaptations de comics qui sortent ou sont sorties ces dernières/prochaines semaines (The Dark Knight, Hulk, Wanted, Hellboy), Wanted se situe un petit cran devant Hulk mais derrière toutes les autres. Le film du Kazakh Bekmambetov, s'il constitue un film d'action mainstream tout à fait acceptable, ne peut être considéré que comme un cousin très éloigné de la BD dont il est adapté. Alors que la saga de Mark Millar et JG Jones constituait (c'est l'un des chevaux de bataille de Millar au scénario) un travail de critique politique assez ambitieux et flirtant avec les théories du complot, la dénonciation d'une certaine société (capitaliste, etc), le film se situe complètement en retrait, mélangeant deux lignes narratrices assez stupides : la formation/initiation d'un jeune cadre loser façon Fight Club inversé-Star Wars-Matrix-Karaté Kid et une sorte d'intrigue gloubiboulga à base de métier à tisser (le Destin), de balles courbes, etc.

Malgré le renfort apprécié de Morgan Freeman (beaucoup plus intéressant dans The Dark Knight en Lucius Fox) et d' Angelina Jolie (on préfère sa version comics), le film se traîne loin, loin derrière le bouquin. Car ce qui faisait le sel de Wanted, c'était non seulement cette sorte de Ligue des Assassins (vue aussi chez Terry Pratchett, sur le mode rigolo) mais surtout l'amoralisme et l'extrême violence dans lequel sombrait le héros. Ici, Wesley Gibson est franchement timide et pâlot. Aucune trace du Eminem-like qui servait de personnage souche à Millar et Jones. La découverte progressive de ses dons est utilisée comme s'il s'agissait d'un simple cours de développement psychologique destiné à lui faire prendre confiance en lui. La BD faisait de la phase de transformation de Wesley une phase de transformation morale plus qu'une transformation comportementale : c'est sûrement la principale erreur du film.

Sur le plan du traitement graphique, Wanted propose ni plus ni moins qu'une lecture moderniste de la BD, alors que le trait de JG Jones était plus noir et contrasté. On est chez Bekmambetov dans une esthétique tout ce qu'il y a de plus standard aujourd'hui qui se caractérise par une vitesse d'exécution, un rapport du clair et de l'obscur plus motivé par la nécessité de dissimuler les effets spéciaux et les écrans verts que par un réel souci esthétique. En faisant de Fox un gentil méchant puis un méchant tout court, le scénario appauvrit également sa figure paternelle et son propre rapport à ses activités. La Fraternité qui faisait le charme du livre devient un club d'athlètes du vendredi soir, entre le Men's Club, le Club de bridge et l'association de freaks. La réunion des tueurs ne prend pas et leur direction par un Freeman en costard sévère ne tient pas plus la distance. Le pompom est décroché avec la mise en avant excessive du gimmick des balles courbes comme pivot visuel du film (le bullet time de Matrix...courbe) et comme synthèse ultime et unique du pouvoir des membres de la Fraternité.

En résumant le savoir-faire des Assassins à ce seul artifice (le reste n'est que précipitation, coups de pied de côté, kung-fu et conneries déjà vues), le film se prive d'une véritable intensité dramatique. Entre film et livre donc, on ne retiendra à l'avantage du premier qu'une jolie scène finale et une reprise quasi à l'identique (et plutôt réussie) de la rupture du "quatrième mur", soit lorsque le personnage principal s'adresse à nous directement, pour nous traiter plus ou moins de losers conformistes.

Si Wanted le film ne marche pas fort, c'est paradoxalement parce que le cinéma a encore peine à faire du sérieux et pas du action movie pur et mou avec des graphic novels. Le syndrome Ligue des gentlemen extraordinaires fonctionne toujours à plein régime, à quelques exceptions près (le beau Hulk de Ang Lee, le Dark Knight, sur lequel on revient, Sin City peut-être), il y a une malédiction du septième art, art sérieux et tragique s'il en est, à faire de la densité avec un art (le huitième) pourtant considéré comme une affaire d'ados débiles un peu partout ici. Le cinéma prend-il la BD au sérieux ? Pas si sûr. La prise en main par Marvel de ses propres intérêts dans ce domaine devrait donner une indication sur ce qui nous attend en matière d'adaptations de comics dans les prochaines années : de Thor, à Captain America en passant par les Vengeurs, on s'attend tout de même à bien mieux que ce qu'on a vu jusqu'ici (Iron Man compris).

Le film sort aujourd'hui. Mais j'ai eu la chance (Amis pirates américains, merci) de regarder en avant première le I am a Legend adapté de Richard Matheson avec Will Smith dans le rôle principal. La comparaison du livre et du film nous donne une nouvelle et excellente occasion de variation sur notre thème favori du moment (après Stardust, 30 jours de nuit) : le livre ou le film ? Là encore, et pour des raisons différentes de la dernière fois, le match est plus serré qu'on ne l'aurait cru, s'agissant d'un chef d'oeuvre de la SF daté de 1954, ayant fait en 1964 et 1971 déjà l'objet de deux adaptations inégales ET d'un film avec... Will Smith qui n'est pas notre acteur favori.

Dans le livre et le film, Je suis (une) légende - l'absence ou l'existence de l'article a toute son importance et mériterait un billet à lui seul - un homme appelé Robert Neville est le dernier survivant de la race humaine (pense-t-on) après qu'une contamination virale ou bactérienne ait changé tout le voisinage en vampires supposément débiles et glouglouteurs de sang. Neville se balade en ville dans la journée, joue avec son chien, fait ses courses dans des supérettes abandonnées et trucide des vampires qui roupillent, avant de se planquer la nuit dans sa maison bunker, tandis que les méchants bonhommes l'attendent ou le menacent.
Dans le livre, Neville est une épave humaine (la dernière du stock avant clôture), boit comme un trou et est miné par des visions de sa famille disparue (je ne dis pas comment). Les vampires déposent de temps à autre une carcasse de nana à la porte de chez lui, histoire de lui plomber le moral. En journée, il fait des expériences et nous fait part de son ennui extrême tout en dissertant de manière scientifique sur l'origine et le fonctionnement du virus vampirique. Dans le film, le schéma est assez similaire, si ce n'est que Neville semble avoir une forme morale un cran au-dessus. Il bouffe bio, a l'air assez joyeux malgré la pesanteur de la solitude et vit sa vie à la cool (du moins en apparence), Will Smith étant parfait avec son allure dégingandée pour suggérer un degré de bien-être supérieur au personnage du livre. Le plus bizarre, alors qu'on pourrait crier à la trahison (Neville sombre contre Neville clair), le Neville-Smith n'est pas inférieur psychologiquement au Neville du bouquin. On voit bien pourquoi le personnage a été éclairci (se taper Will Smith est déjà rude mais un Will Smith qui fait la tronche ou joue la gravité non merci) mais aussi ce qu'un personnage plus lumineux amène comme dynamisme.
Alors que le livre s'appuie sur la répétition des jours, l'ennui et le caractère tragique des situations, le film s'intéresse à la manière de l'excellent 28 jours plus tard (film écrit par notre chouchou Alex Garland, rappelons-le) sur la ville sinistrée, le désert, la solitude cinématographique. Depuis L'Armée des 12 singes, les panoramiques apocalyptiques de grandes villes sont une belle réussite et l'on se prend à penser que les évocations du film sont ici supérieures à ce que le livre nous avait donné à voir. Pour la nuit, en revanche, le cinéma est clairement en retrait. Le réalisateur cède aux travers de vouloir faire de l'action quand Matheson faisait de la dépression. La mort du chien, dans le même registre, fonctionne aussi bien en image qu'à lire. Pour des raisons qui tiennent sans doute à notre éducation et à la structure de notre cerveau, il semble qu'on soit plus réceptif aujourd'hui lorsqu'on voit la mort à l'écran que lorsqu'on la lit. Est-ce une question de génération ? En tout cas, sur ce terrain, le film (en quantité de larmes versée) fonctionne presque mieux que la version originale.

On ne parlera pas ici de la fin comparée des deux histoires. La fin du livre est assez géniale, depuis l'arrivée de l'amie Ruth, jusqu'au dernier jour et son retournement de perspective. Celle du film la suit d'assez près, mais avec une morale moins dramatique et moins perturbante. Les variations de l'un à l'autre des supports illustrent non pas une intention artistique différente (on peut supposer que le réalisateur n'a pas eu les mains libres sur sa chute, d'autant plus que, d'après la rumeur, la fin a été retournée après projection devant les fameux panels-tests qui dictent le montage final des hyperproductions US), ni une limite de l'un ou l'autre media, mais tout simplement la liberté supplémentaire (quasi infinie) dont bénéficie l'écrit par rapport à l'image.

Au tableau d'affichage final, on peut donner le livre vainqueur, si l'on aime les histoires qui commencent et finissent mal ; mais placer le film assez près derrière si l'on se situe dans un registre plus divertissant et léger que réflexif. Comme l'A.I. de Spielberg/Kubrick, on se trouve ici dans une SF littéraire ou cinématographique qui s'adresse à tous et s'entend du plus grand nombre. Elle n'est pas parfaite et a des défauts sur le plan artistique ; mais n'en est pas moins intelligente et sacrément emballante.
Dans les deux cas, la chair de poule est à portée, levée à la fois par la crainte et l'émotion. On aime ça.

Alors que les 2 tomes de 30 jours de nuit, comic book américain de Niles et Templesmith, reviennent en bonne place dans les étals de librairie pour Noël, sort prochainement l'adaptation cinématographique du premier volume de cette série horrifique et romantique par David Slade et avec, dans les rôles principaux, Josh Hartnett et la sublime Melissa George.
Contrairement à ce qu'on avait dit de Stardust (le livre à 4 coudées devant le film), le match entre la BD et le film est plus serré qu'on aurait pu le croire. Le "pitch" partagé (la BD et le film parlent exactement de la même chose, quasi plan à plan) est imparable. En Alaska, dans la petite commune de Barrow, le soleil se couche annuellement pour une période de 30 jours. Pendant cette nuit éternelle, la majorité des habitants quittent la ville, laissant le shérif, sa famille et quelques personnes, isolés du reste du monde. Ils continuent à bosser, à vivre, à s'aimer en attendant le... retour du soleil. Malheureusement pour eux, alors qu'il neige et qu'il caille, le village est attaqué par une bande de vampires superféroces avec des têtes de suppositoires victoriens. Pendant 30 jours, ils vont devoir survivre à l'invasion...

Alors que la BD jouait beaucoup sur le charme étrange des peintures de Templesmith, le seul et véritable héritier (bien qu'il s'en défende) de Dave Mc Kean, le film joue l'angoisse réaliste à plein nez. La lisibilité cinématographique, son image tendent à renforcer l'effet de frousse que la virtuosité de Templesmith transformait en un climat onirique. Les vampires mettent beaucoup plus les jetons et s'expriment dans un patois Roumain et d'une voix gutturale que le comics, et pour cause, ne pouvait pas laisser imaginer. De la même manière, le twist final ("Eben" Josh Hartnett se sacrifiant pour sauver tout le monde, avant d'enchaîner sur un coucher de soleil mortel en amoureux) est presque aussi émouvant, voire un peu plus compte tenu de l'extrême beauté des acteurs choisis, en images que sur le papier. Dans les deux cas, les deux supports peinent à faire sentir (parce que la BD est trop courte et parce que le montage du film laisse à désirer), la notion de durée de la période de survie.

Le trait de Templesmith est trop dynamique et trop concentré sur ses effets verticaux (la neige, la nuit, le sang) pour suggérer les 30 jours qui n'en finissent pas, les non-levers de soleil et l'attente des humains traqués par les vampires. Le film n'y parvient pas plus, incapable de se soustraire à son rythme semi-hollywoodien de poursuites, séquences d'évasion, plans à la con ou morceaux de bravoure, pour laisser respirer et frissonner son monde. Du coup, BD et film peuvent, pour une fois, être renvoyés presque dos à dos, autour d'un semi-échec qui tient autant à des erreurs de gestion (artistique, s'entend) qu'à des défauts intrinsèques des médias. Sur le terrain de l'attente, du temps qui passe... lentement et de l'angoisse, il est assez difficile de rivaliser avec le roman. Est-ce à dire que les mots contiennent par leur double dimension spatiale et sonore, par leur lettrage, leur plumage et leur configuration intrinsèque (un après l'autre) une qualité que les autres n'ont pas ? Ce n'est pas si sûr. Le film qui attend ennuie (souvent). La BD qui attend est souvent prétentieuse. Le livre qui attend (on parlera de Je suis la ou une légende bientôt) peut être un chef-d'oeuvre. Le roman attend toujours, d'une façon ou d'une autre. Il aura plus de mal à pétiller et à rivaliser sur le champ de l'action, de l'humour qui fuse. Chacun ses armes, ce qui ne veut pas dire qu'on ne puisse pas trouver d'exceptions, de contre-exemples etc.

En vue de Noël, néanmoins, on ne recommandera jamais assez la lecture des 30 jours de nuit ou la visualisation de ce bon film, parce que les bonnes idées ne sont pas aussi nombreuses qu'on croit. Celle qui soutient 30 jours de nuit est la plus simple, la plus courte (le 2e tome ouvre sur autre chose), et la plus belle qu'on ait lu depuis... The Fountain, autre livre devenu film (ou vice versa).

Stardust, le mystère de l'étoile a ses supporters parmi les fans de Neil Gaiman. Même s'il faut avouer qu'il se situe très nettement en dessous en matière d'ambition littéraire et d'imagination que Neverwhere, Anansi, American Gods et même le très beau MirrorMask (dont le livre illustré vient d'ailleurs de sortir en français).
Stardust est un roman de genre pur jus, un conte pour grands enfants, un rien décentré par rapport à la tradition victorienne et par rapport aux pratiques ultérieures du genre (Le Seigneur des Anneaux, Conan...), mais d'une certaine façon un roman qui déborde d'assez peu la veine à laquelle il se rattache sciemment. C'est cette distance infime entre le roman fantasy victorien, ses histoires de fées, de lutins, son retour à la nature et à la campagne épaisse, sa naïveté et son langage ampoulé, et la langue moderne qui fait la magie du livre de Gaiman et le manque de charme du film qui en est tiré.
Rien d'exceptionnel dans cette histoire d'un jeune homme (né de l'union d'un homme de Wall, petit village-frontière, et d'une magicienne de l'autre côté du mur) parti récupérer pour l'amour d'une ingrate une étoile filante tombée de l'autre côté du mur.

Tristan Thorn croisera des licornes, des rois fantômes, des sorcières, des mages, des guerriers, de l'horreur et des bons sentiments. Les amateurs de fantasy seront avec le livre en terre connue, mais sur une terre connue revisitée avec des moyens modernes (une mise en place littéraire simple, des scènes d'action plus nombreuses que les descriptions, des séquences transitoires moins barbantes que chez Tolkien,...) sans pour autant être révolutionnaire ou satirique (à la Pratchett). La fantasy de Gaiman n'est jamais moqueuse et n'a d'intérêt que dans son infini respect des codes du genre. L'ouvrage reste suffisamment simple pour porter sur lui le potentiel féérique et le potentiel dynamique qui en faisaient un candidat admirable pour une adaptation cinématographique.
Ce qui cloche dans l'adaptation de Matthew Vaughn, c'est que la machine hollywoodienne n'a pas su faire la différence entre l'épique et le bucolique et a foncièrement foiré le travail d'équilibre, fondamental dans le domaine de la fantasy, entre les scènes d'action et les scènes dites psychologiques. L'épique est privilégié par le film et accompagné tout au long du film d'une musique symphonique ridicule qui vient anéantir la petite musique intérieure, primesautière et badine entendue lors de la lecture.

La construction hollywoodienne (en séquences) conduit à privilégier le spectacle, c'est un fait. Et ça l'est d'autant plus que la production dispose d'un beau et bon casting et de quelques moyens financiers, mais aurait pu s'autoriser quelques ponts un peu peinards qui auraient permis de donner une autre densité au film. Si le personnage interprété par Michelle Pfeiffer est très réussi, la complexité (et la méchanceté) de son caractère transparaît bizarremment moins efficacement à l'écran qu'en livre, alors même que l'actrice et les effets spéciaux auraient laissé espéré l'effet inverse. Le cabotinage de Robert de Niro envahit son personnage et lui enlève un tantinet le charme du personnage souche, beaucoup plus intéressant et moins lisible. Surtout, et c'est là que tout se joue, même si Stardust le film reste un très beau et bon spectacle familial, un film où on ne s'ennuie pas, le seul écart d'insolence prévu par Gaiman à la lettre du conte de fées a été supprimé. La dernière confrontation entre Victoria (la fille pour laquelle Tristan va chercher l'étoile) et Tristan est amputée de son véritable sens et évacuée comme une première conclusion rapide au film alors même qu'elle donnait au roman de Gaiman une intensité et une justesse proche des Contes de grenade de Wilde. Traitée en 2 plans, la séquence n'est pas compréhensible dans le film alors qu'elle constitue non seulement la clé du happy end final mais surtout une justification a posteriori de la quête qui passe d'une quête amoureuse à une quête philosophique. Deux minutes plus tard, les scénaristes choisissent de couronner l'Etoile et Tristan immédiatement alors même que le roman, dans un twist très libre, les envoyait en excursion de plusieurs années à travers le monde, vivre le romantisme de leur histoire et prolonger l'aventure bohème. D'un côté, on se trouve avec une fin cliché, de l'autre, avec un fabuleux appel d'air libertaire. Soit une différence fondamentale qui explique pourquoi on ne ressent que rarement la puissance évocatrice du livre dans le film.

Pour se résumer, Stardust le film est un divertissement qui vous fait dire, avec un frisson, que décidément la fantasy n'est plus tout à fait de votre âge ; Stardust le livre vous donne le frisson et vous fait penser que... décidément, vous avez conservé intact votre coeur d'enfant. Entre les deux, à vous de choisir votre camp.